横浜市と川崎市との境にある、新しく高級感のある街≪あざみ野≫。徒歩5分ほど、ひと丘越えたあたりにある「アートフォーラムあざみ野」で、4人の若手アーティストたちによる展覧会が開催された。1F、2Fの各フロアは正方形のホワイトキューブが半分ずつ壁で仕切られ、幅6～7mほどのおよそ100 m²が各自の展示空間だ。
1Fは、赤のマスキングシートで記号のような文字を切り貼りして描いた淺井裕介の「文字卵（viewpoints）」からスタートする。白い壁の上に赤い文字でできた卵は、スポットライトで照らされていた。マスキングシートやその使用後の残骸、小麦粉や土など身近な材料を用いた作品は、物語が始まりそうな童話的なものだ。「八百万の神々」というシリーズではプリミティブな作品たちがちょっと可愛らしい。デジタル画像で綴られた毎日手の甲に描いた絵がモニターに映し出されていた。
それとは対照的に薄暗い部屋には、ダイナミックでシンボリックな椛田ちひろの「事象の地平線」が壁一面に張り巡らされ、淺井と同じようにスポットライトで照らし出されていた。奥に設置された歪んだ鏡のような素材が、それらを封じ込めるように映し出し、平面から立体へと変貌させていた。
2Fは、自然を見て感じた地形をシンプルに模型化しクレヨンで着色した吉田夏奈の「奇跡の牛」というシリーズの立体作品だ。自然光に近い照明で、模型はいずれも腰までの高さであるため、上空から見下ろすようになっていた。直線的な形状は自然な山並や山肌とは異なるが、不自然ではない≪自然≫を感じさせてくれた。壁の山のスケッチには柔らかくスポットライトが当てられていた。
続いて、油絵の具の香りに導かれるように進んでいくと、桑久保徹の「夜のうず」が現れた。強いスポットライトで輝いて見えたいくつかの作品と、そして、奥には彼自身のアトリエを再現した昼間の太陽光のような強い蛍光灯の明るさで部屋全体が均一に照らされていた。
本展では、作品すべてに当てられたスポットライトの≪光≫の効果がとても特徴的だった。それが際立っていたのが椛田と桑久保の作品である。椛田は一枚のロール紙に黒いボールペンで楕円の平面作品を描き出し、塗りつぶされた箇所だけスポットライトで照らし出していた。描かれた色は光線具合で赤くも見え、漆塗りのような自然な艶を発していた。相反して、桑久保の絵を見た瞬間、まるで絵の裏から光を当てているように絵が光って見えた。溶き油を使わず直接描いているため、あれだけ強烈な光を当てても反射せずに色が輝いて見えたのだろう。砂浜や海、そして空が描かれ、地上と天を繋ぐ何かで一体化させた構図の作品は同様に自ら光って見えた。
昨年暮れに神奈川県民ホールギャラリーで開催されていた「日常/ワケあり」展でも、≪光≫は実にドラマチックに会場を変貌させていた。≪光≫と舞踏は、作品との新たなコラボレーションを生み出していた。今回の椛田の作品の中でも舞踏が繰り広げられ、舞踏は作品と≪光≫の関係を邪魔することなく、闇の一部となり会場内を舞い踊った。照らされるのは決して舞踏ではなく作品自身だ。ホワイトキューブという無個性な空間が≪光≫と舞踏により三次元から四次元へと感動的に変貌した。美術館的要素だけでなく、その空間を舞踏の舞台に変化させることを可能にする≪光≫の効果。公共的な室内空間における現代アートの展示において人工的な≪光≫は欠かせないアイテムとなり、言い換えれば、≪光≫の効果なしでは作品から非凡さは感じられない。椛田と桑久保の作品は、絵の具を用いてできる限り光の印象に近づくための手法を駆使した1860年代に生み出された印象派とは相反する二作品であった。
第一次、第二次世界大戦を経て、工業や科学の急激な発展により、人工的な光が溢れるようになった現代のアートシーン。その光の中、1970年代後期以降に生まれた今回の4人のアーティストたち。展覧会という劇場の中で様々な≪光≫に照らし出された作品の中、≪viewpoints≫というタイトルの、音のない静かな4場面構成の芝居を観たような気持ちになった。脚本家と演出家、そして出演する俳優たちの関係性に似た、担当学芸員とデザイン担当者、そして4人のアーティストのコラボレーション性を強く感じた本展であった。
